Quando si parla di una persona e la si definisce “colorita”, cosa vi viene in mente? Di solito, è un modo benevolo di criticare una condotta frivola, un po’ sopra le righe, addirittura volgare. Il linguaggio colorito, infatti, è quello infarcito di volgarità e un ambiente colorito è quello in cui ci si lascia andare a comportamenti spontanei, non mediati dalle rigide regole della società chic.
Non è qualcosa su cui riflettiamo spesso, ma la fama del colore, nel nostro linguaggio e nella cultura occidentale in generale, non è quasi mai positiva e, se lo è, lo diventa solo in contrapposizione ad una regola aurea che ad alcuni può andare stretta.
Il sistema, la retta vita, la civiltà, la purezza, la classe, l’eleganza sono tutti concetti che, almeno in occidente, rigettano il colore, tanto che si parla di cromofobia della cultura occidentale.
Il colore, sia nella filosofia estetica che nell’immaginario collettivo, rappresenta due ordini di concetti.
Il primo, legato al primitivo e al tribale, ci parla di un caos non ancora dominato dalla ragione e non conformato alla civiltà progredita.
Il secondo, legato al rifiuto della cultura dominante, assume connotati addirittura eversivi, quando non folli. E dove c’è follia, troviamo anche la femminilità: una donna che sfoggia colori sgargianti è certamente più tollerata di un uomo che volesse indossare un cappotto giallo su un completo verde lime. A meno che, ovvio, non sia gay, e quindi, come la donna, emarginato e/o emarginabile.
Da dove viene questa accezione ghettizzata del colore? Ne possiamo trovare traccia molto lontano nel tempo, radicata nella filosofia classica. Intanto, color ha, in latino, la stessa radice di celare, perché, come un cosmetico, è fatto per nascondere, ma già Aristotele, per il quale il colore era pharmakon, ossia droga, relega il colore alla cosmesi, scrivendo nella Poetica:
Se si versano a caso dei bei colori, non si ottiene lo stesso piacere che se si disegna in bianco un immagine.
Di questa citazione mi piace quel a caso che secondo me la dice lunga.
Che il bello sia nella forma e nel tratto del disegno, non nei colori, è una convinzione che è sopravvissuta ai secoli. Sappiamo oggi che l’architettura e la scultura greco romana erano assai più colorate di come le ammiriamo oggi, ma, nell’iperuranio delle idee pure di bellezza e arte, il colore non è mai entrato.
Prendete il dibattito medievale sul colore, che vede contrapposti fior fior di teologi intorno al suo significato divino. Bernardo di Chiaravalle, fondatore dell’ordine cistercense, fu tra i più valorosi e accaniti cromofobici del suo tempo, ed impose all’interno e all’esterno degli edifici religiosi, il candido rigore che pretendeva per le anime. Trovò sicuramente degli oppositori e, infine, il gotico inondò le navate delle luci policrome delle vetrate, eppure la bellezza e la purezza non hanno mai smesso di essere associate al bianco o all’assenza di colore.
Secoli dopo, nella Critica del Giudizio Kant ci spiega, di nuovo, che i colori che ravvivano il disegno sono attraenti per i sensi, ma non lo rendono degno dell’intuizione del bello. Il bello è dominio dell’intelletto e, non solo fa a meno del colore, ne può anche essere distolto, perché i colori ci influenzano in modo quasi patologico.
Arriviamo così al XIX secolo e alla critica dell’arte di Charles Blanc – non vi pare un nome significativo per un cromofobico? A più riprese Blanc affronta la dicotomia tra forma e colore, sancendo l’assoluta superiorità della prima sul secondo.Questo passaggio è particolarmente significativo
L’unione del disegno e del colore è necessaria per generare la pittura esattamente come è necessaria l’unione dell’uomo e della donna per generare l’umanità, ma il disegno deve conservare il suo predominio sul colore. Altrimenti la pittura precipita verso la sua rovina: cadrà ad opera del colore proprio come l’umanità cadde ad opera di Eva.
Eccolo: il colore è caduta, e quindi femmina. Non solo, il colore è anche poco evoluto, come ci spiega in un altro passaggio, in cui affronta il tema del linguaggio e afferma che gli uomini, all’apice della piramide, usano il linguaggio verbale, gli animali usano i versi e la gestualità, mentre agli esseri completamente inanimati, ossia ai minerali, non resta che il colore. Come se le gemme fossero colorata, in quanto incapaci di parlare.
Il colore, dunque, è la caratteristica peculiare delle forme inferiori nella natura, mentre il disegno diventa il mezzo di espressione, tanto più dominante, quanto più in alto saliamo nella scala dell’essere.
A questo punto, c’è da chiedersi come stiano le cose ai giorni nostri. All’inizio, ho fatto due esempi che ci raccontano di come la diffidenza verso i colori sia ancora radicata nel modo di esprimerci e di apparire. Anche quando non indossiamo una divisa, siamo molto meno inclini a utilizzare palette di colore personalizzate sui nostri gusti di quanto pensiamo. L’accettazione nella società passa anche da un prudente minimalismo, che ci fa trovare d’accordo su una serie di dogmi, come quello che il nero addosso sia elegante, sempre e comunque, e il bianco e il beige siano ideali per qualsiasi tipo di arredamento.
Il colore viene apprezzato nella sua accezione esotica, come un alieno interessante, che ci fa sognare di civiltà lontane o di travolgenti momenti di follia – positiva solo quando, appunto, momentanea.
Un esempio? Quanti film vi vengono in mente che usino il colore per rappresentare una realtà alterata? Come Paura e Delirio a Las Vegas (colore come pharmakon, di nuovo), ne potrei citare moltissimi. Ma anche senza tornare sulla associazione diretta fra droga e colore, ci sono registi che praticamente si sono specializzati nel colore per poter narrare le loro storie con un registro che potremmo definire “realismo magico”, contestualizzando trame assurde in un ambiente più che propizio. Wes Anderson, per dirne uno: chi non ha apprezzato I Tanenbaum e Gran Budapest Hotel anche dal punto di vista cromatico probabilmente non ha colto uno degli aspetti portanti.
Il colore, insomma, è una caduta (la droga) o una fuga (il realismo magico), ma, in entrambi i casi, non fa parte del quotidiano, del normale e, in senso lato, neppure del giusto.
Henri Matisse
Passiamo all’arte contemporanea. Intanto, la rivalsa del colore sulla forma , ad esempio nell’impressionismo e nell’espressionismo, rappresenta una vera e, inizialmente, osteggiata rottura. I movimenti artistici di quel periodo erano considerati primitivi, non solo da chi li disprezzava, ma persino da chi li promulgava: il fauvismo e tutti i movimenti primitivisti si facevano portatori di un linguaggio che ricercava nel colore proprio un ritorno ad una spontaneità che si contrapponeva ai rigidi dettami della Accademie. Insomma, il colore era rottura e regressione, da qualunque parte la si voleva guardare. E dove è finito, oggi, tutto quel colore?
Piero Manzoni – Achrome
Facendo un giro in qualsiasi galleria d’arte, soprattutto le più chic, vi renderete conto che lo spazio è quasi interamente occupato da opere materiche, spogliate di colore: penso alle opere di Fontana, Manzoni, Castellani e discepoli. Quando il colore compare, assoluto ed esibito, è spesso pura provocazione.
Ma torniamo a noi, alla vita di tutti i giorni, ai nostri gusti personali e alla nostra percezione. Leggendo questo articolo, quanti di voi si sono accorti di essere inconsciamente cromofobici?
Personalmente, non conosco più che una manciata, fra uomini e donne, che potrei definire sicuramente affetti da una forma incurabile di cromofobia. Eppure, persino io, che credo di avere un’altissima tolleranza al colore, finisco con il conformarmi.
Enrico Castellani
Conformismo e Cromofobia vanno a braccetto. Le divise ci piacciono, anche se fingiamo che non vogliamo che ci vengano imposte. Quello che è tragico, però, non è voler essere accettati: l’accettazione è una necessità dell’uomo e non ha senso sbandierare un presuntuoso solipsismo. L’aspetto veramente inquietante è voler essere accettati DA TUTTI. Pretendiamo di essere universalmente accolti, di piacere o comunque di non risultare sgradevoli, a prima vista, mai e a nessuno.
Forse per questo, accettiamo di buon grado il dress code, pure per andare in giardino a potare la siepe o per prendere un caffè con gli amici. Non parlo, ovviamente, di quelle basilari regole di decenza che dovrebbero essere sempre seguite per rispetto del prossimo e del contesto: è ovvio che non andrò in ufficio in prendisole e infradito, ma mi chiedo spesso come mai non mi sia mai comprata un completo verde ottanio, che per altro mi starebbe benissimo, soprattutto abbinato ad una borsa magenta.
In parte, non l’ho mai fatto perché, a meno che non sia l’anno in cui va di moda il verde ottanio, non troverò in nessun negozio un completo di quel colore, ma sarei disonesta se dicessi che questa conformità dell’offerta di mercato (una non-offerta, a ben vedere) mi abbia creato un reale disagio.
Almeno fino adesso.
Cosa è successo? Al contrario di quanto abbiamo detto sul suo carattere primitivo, credo che nella mia vita il colore rappresenti un’evoluzione. Si tratta di una parte della personalità che è cresciuta, si è formata una propria griglia di “mi piace” e “non mi piace” ed ha acquisito consapevolezza. Il nero, il bianco e tutte le sfumature intermedie continueranno a piacermi, ma come colori alternativi ad altri, e non come assenza di colore.
In sostanza, credo che accettare la nostra personalissima preferenza in fatto di colore sia un passo avanti verso il dominio della ragione sull’inconscio, e non una regressione infantile, come spesso viene interpretata. Arrenderci alla cromofobia ci fa fare scelte comode e rassicuranti, e farci stare comodi è tipico dell’istinto di sopravvivenza, non dell’intelletto.
Forse non saranno le scelte personali a cambiare 2000 anni di cultura innestati sulla cromofobia, ma credo che, nel nostro piccolo, valga la pena affrontare l’argomento con maggiore consapevolezza, per recuperare un ingrediente in più, che può fare davvero la differenza nella quotidiana esperienza della realtà e nel piacere che possiamo trarne.
David Batchelor
Moltissimo di questo articolo si deve a Cromofobia di David Batchelor e al suggerimento di una lettrice che mi ha proposto l’argomento attraverso il sondaggio che ho indetto a luglio 2021. Per questo ringrazio tutti i miei lettori: siete capaci di stimolare in me il piacere per la ricerca, l’approfondimento e la condivisione.
L’industria tessile e dell’abbigliamento rappresenta uno dei settori più importanti dell’industria manifatturiera italiana, primato che le spetta da secoli e che caratterizza il Made in Italy, in questo settore, come uno dei più prestigiosi al mondo, forte di una tradizione apprezzata sia in occidente che in oriente.
La filiera tessile è fortemente radicata nel nostro territorio: penso principalmente ai distretti industriali di Prato, Biella, Como, ma ce ne sono molti altri che vantano una lunga tradizione che, negli ultimi decenni, ha dovuto fare i conti con l’innovazione tecnologica, ma anche ideologica.
Parlo di innovazione ideologica riferendomi ai movimenti che hanno portato ad una crescente attenzione per la sostenibilità della produzione tessile e per la tutela tanto dell’ambiente, quanto della salute del consumatore.
Negli ultimi 20 anni il tema della sostenibilità è letteralmente esploso, e non poteva non coinvolgere un argomento a me molto caro: i colori. Se leggete il ColorBlog, vi sarete già imbattuti in considerazioni che riguardano la tossicità dei pigmenti e dei colori industriali e di come la ricerca si stia muovendo per ottenere colori atossici.
La ricerca, però, è ancora lontana dal proporre coloranti industriali privi di rischi. Per questo motivo, enti internazionali e la stessa CE si stanno dotando di regolamenti appositi, con lo scopo di valutare il rischio delle diverse sostanze chimiche utilizzante nei processi industriali, abolire l’utilizzo di quelli più pericolosi, e promuovere l’utilizzo di processi produttivi sempre più ecologici e sicuri.
Il Regolamento (CE) n.1907/2006, cosiddetto REACH, è una normativa in vigore dal 2007 che stabilisce quali sostanze e quali composti chimici possano essere utilizzati nei processi industriali in Europa e con quali modalità.
REACH sta per Registration, Evaluation, Authorisation and restriction of Chemicals, e non è una semplice certificazione, ma non regolamento comporto da 141 articoli, molti dei quali interessano da vicino il comportato tessile. Il regolamento viene continuamente aggiornato e ha diversi scopi:
Si tratta, quindi, di un passo molto importante verso una rivoluzione ecologica, anche se ancora non è ancora sufficiente.
Nel 2011 GreenPeace ha dato vita ad un movimento che va al di là dei confini europei: con Detox My Fashion si punta ad una moda più sostenibile e si cerca di stravolgere i criteri produttivi, intervenendo soprattutto sulle filiere della fast fashion e delle grandi maison di moda. E, a differenza del regolamento europeo, Detox my fashion si rivolge al mercato globale e vuole coinvolgere anche paesi come la Cina e l’India.
Stiamo quindi assistendo ad un ripensamento di tutti i processi produttivi, secondo linee guida virtuose. Ma quando si parla di rivoluzione sostenibile dell’industria, non è possibile escludere dal contesto la ricerca scientifica e tecnologica. Ingenuamente, si tende ad attribuire una corrispondenza tra alta tecnologia e inquinamento e, per contro, ad assimilare il “naturale” a qualcosa di sicuro ed atossico per noi e per l’ambiente. Niente di più sbagliato: come molti di voi già sanno, la maggior parte dei pigmenti in uso fin dall’antichità sono velenosi e fortemente tossici, sebbene naturali e non frutto di processi chimici.
Finché non si investirà fortemente nella ricerca, non si può fare molto altro che evitare sostanze chimiche pericolose usandone altre meno pericolose, che è già un ottimo passo avanti, ma non è la soluzione. Oppure, possiamo aspettare che nuovi pigmenti, finalmente atossici vengano fuori per caso, come è successo per il Blu YInMg. Ma ci conviene?
La fama del colore, nel linguaggio e nella cultura occidentale in generale, non è quasi mai positiva. Da dove viene questa accezione ghettizzata del colore? Facciamo un rapido viaggio da Aristotele ai giorni nostri per scoprire, oggi, come ci collochiamo rispetto al colore: conformismo o evoluzione?
L'industria tessile fa uso di prodotti chimici per la preparazione e la colorazione dei tessuti. I colori, soprattutto, sono un argomento molto delicato quando si vuole cercare una svolta sostenibile ed etica per la produzione dell'abbigliamento e degli accessori. Ecco il punto della situazione.
Il foulard è un un quadrato di stoffa leggera che coniuga lo stile alla praticità. A differenza di altri ornamenti, puramente estetici, il foulard deve il suo successo alle molte applicazioni pratiche, e all'idea, nata in casa Hermés, di trasformarlo in un pezzo d'arte.
La mia passione per le sciarpe, le stole e i foulard è legata al fatto che ognuno può essere interpretato come un’opera d’arte da portarsi al collo, concetto che Hermés ha portato in auge, pur non avendolo inventato.
Ed è proprio questo matrimonio fra arte e moda che ha fatto del foulard l’idea regalo ideale per molte occasioni, soprattutto quando si scelgono pezzi curati artigianalmente e caratterizzati dalla cura pittorica della fantasia.
Scopriamone la storia per #artistantecolore.
Il foulard è un un quadrato di stoffa leggera che coniuga lo stile alla praticità. A differenza di altri ornamenti, puramente estetici, il foulard deve il suo successo alle molte applicazioni pratiche. Basta pensare all’uso che se ne è fatto nella storia, a cominciare dai soldati, che portavano una sorta di bandana colorato che aveva lo scopo di designarne l’appartenenza ad un determinato corpo, fornendo allo stesso tempo protezione, se necessario, dal vento, dalla sabbia o dal sole.
Lui lo conosciamo tutti, giusto?
Anche i contadini usavano i “fazzolettoni” per proteggersi dal sole, la cui versione elegante veniva indossata in chiesa dalle donne, sul capo e per coprire le spalle e il décolleté.
In questo ambito, ho sempre ammirato lo stile delle donne ciociare: per tradizione, il fazzolettone, piegato a rettangolo e appuntato sui capelli, era abbinato ad un altro foulard coprispalla e a monili rigorosamente di corallo. Il risultato è talmente caratteristico e scenografico, da venire immortalato in numerose opere d’arte. Per gli artisti europei del 1800, la modella ciociara divenne un soggetto ricercato, tanto che le ragazze presero a curare la loro immagine, nella speranza di fare da modelle, magari sullo sfondo dei tipici paesaggi dell’agro pontino.
Durante il secolo scorso, soprattutto in funzione della domenica, il foulard ha via via conquistato il suo posto nella storia del costume, facendo la sua comparsa in versioni sempre più decorate e sofisticate sulle teste delle signore abbienti e a decorazione anche dell’abito più semplice, che veniva così nobilitato nella sua versione da festa.
Ma è con la moda degli anni ‘50 e ‘60 che diventa l’oggetto di culto che conosciamo oggi, reso immortale da icone di stile, come Audrey Hepburn e Grace Kelly.
Dobbiamo però fare un un passo indietro: se parliamo di foulard non possiamo proprio evitare di parlare della Francia e di Hermes.
L’origine del foulard decorato con fantasie artistiche, come lo intendiamo oggi, è da ricercarsi nell’industria serica di Lione, molto florida nel XVIII secolo, e che ha lanciato la moda del “ritratto di seta tessuta”, veri e propri quadri, con scene didascaliche, a volte satiriche, dedicate a fatti storici o personaggi famosi. Nasce quindi il magico connubio fra l’accessorio di seta e l’arte, dove la seconda comincia a prevalere sulla funzione.
Questa caratteristica mondana e artistica dei tessuti di Lione viene ripresa in tono ironico da Hermés quando, nel 1937, ad un secolo dalla nascita e quasi 20 anni prima del successo della borsa Kelly, produce il primo Carré, “Jeau des Omnibus et Dames Blanches”.
Il disegno era costituito dal tabellone di un gioco da tavola francese molto popolare nella seconda metà del 1800, simile al Gioco Dell’Oca. Il gioco, a sua volta, si rifaceva a Dames Blanches, il nome di una compagnia di trasporti pubblici in carrozze trainate da cavalli. La tavola riprodotta sul foulard è ancora custodita nel Museo Hermès, insieme ad altri oggetti cui si ispirarono negli anni gli illustratori che hanno dato vita alle storiche fantasie, definite “titoli”, che ogni anno Hermes presentava nel suo catalogo, denominato “Suggestions”, che è un po’ come dire “consigli per gli acquisti”.
I primi illustratori, ingaggiati da Robert Dumas, furono Hugo Grygkar, tutt’ora considerato il vero padre dei foulard Hermés, e Philippe Ledoux, che portarono questo accessorio alla fama, giocando sapientemente sul confine tra moda e arte. E l’arte è il valore aggiunto che Hermés non ha mai tradito, selezionando artisti da tutto il mondo e scegliendo per le sue fantasie un mix di temi classici e contemporanei, tutti capaci di narrare e intrattenere.
A proposito di narrazione, ecco “Lettre de Napoleon a Murat” del 1947, uno dei miei preferiti.
Fra gli ultimi titoli, questa creazione di Octave Marsal, intitolata “La Cite Cavaliere“, è particolarmente interessante. Ispirato a un’incisione del XVII secolo raffigurante una vista a volo d’uccello di Parigi, il giovane designer reinventa il paesaggio stradale della capitale francese. L’incisione originale era opera di Matthäus Merian il Vecchio, un incisore svizzero-tedesco noto per le sue numerose edizioni di mappe. Con licenza artistica, Marsal mappa il corso della Senna, le mura cittadine ei monumenti di una Parigi da sogno, creando una Cité cavalière con la sagoma di un cavallo al centro. Il tema equestre, caro ad Hermés fin dagli albori, è un omaggio che sottolinea in modo elegante il legame tra la Maison e Parigi. La mappa è ricca di riferimenti culturali e storici e di curiose apparizioni. Vale la pena scrutarla per cogliere anche il più piccolo dettaglio.
Ringrazio Commozioni.Arte per la segnalazione.
Dopo due anni di gestazione, ho ache io inaugurato la mia linea di Carré. Ho disegnato ogni fantasia immaginando la resa sul formato quadrato, con un insieme pittorico che, legato al collo e nascosto nelle piege, restituisse un effetto colore comunque riconoscibile.
Dopo di che, mi sono data da fare per trovare la seta giusta, lo stampatore ideale e le mani sante di sarte esperte, che li orlassero a mano, per un prodoto di artigianato artistico Made in Italy
Sono sei diverse fantasie, ognuna con una sua piccola storia da raccontare.
La fama del colore, nel linguaggio e nella cultura occidentale in generale, non è quasi mai positiva. Da dove viene questa accezione ghettizzata del colore? Facciamo un rapido viaggio da Aristotele ai giorni nostri per scoprire, oggi, come ci collochiamo rispetto al colore: conformismo o evoluzione?
L'industria tessile fa uso di prodotti chimici per la preparazione e la colorazione dei tessuti. I colori, soprattutto, sono un argomento molto delicato quando si vuole cercare una svolta sostenibile ed etica per la produzione dell'abbigliamento e degli accessori. Ecco il punto della situazione.
Il foulard è un un quadrato di stoffa leggera che coniuga lo stile alla praticità. A differenza di altri ornamenti, puramente estetici, il foulard deve il suo successo alle molte applicazioni pratiche, e all'idea, nata in casa Hermés, di trasformarlo in un pezzo d'arte.
La seta è bava di bruco: ditemi voi se già questo non basta come incipit di una storia interessante. Ve ne racconto una piccola parte, qui, su #artistantecolore.
Iniziamo dalla fine: in Italia, non si produceva più la seta dall’ultimo dopo guerra. Abbiamo continuato a tessere il filato, che compriamo per lo più in Cina, ma solo nell’ultimo decennio alcuni piccoli imprenditori e cooperative hanno reintrodotto in Italia la bachicoltura, alcuni con intenti industriali non ancora del tutto espressi, altri per amore della tradizione dell’artigianato artistico (trova i riferimenti in fondo all’articolo).
Il declino della seta in Italia ha a che fare con molti fattori, dai pesticidi utili ai frutteti, che però hanno decimato i gelsi, fino alla concorrenza cinese e alla difficoltà di organizzare un lavoro che veniva gestito in campagna, affidato, casa per casa, soprattutto a donne e bambini, e che ha mal tollerato la forte urbanizzazione degli anni ‘60.
Per farci un’idea, negli anni ‘50 solamente in Veneto c’erano 40.000 aziende agricole che allevavano bachi da seta, integrando il magro reddito di contadini e mezzadri, tutte rapidamente scomparse nel decennio successivo.
Evidentemente, però, non tutti erano pronti a gettare la spugna, perché il Centro ricerche Agricole ha per decenni conservato i “cavalieri”, ossia 193 diverse razze di Bombyx Mori, la falena della seta, e li sta ora mettendo a disposizione di chi vuole ricominciare ad allevarli.
Se credete che sia un lavoro semplice è perché non conoscete queste larve capricciose. Partiamo con il dire che le razze addomesticate sono state selezionate per avere un ciclo di vita molto più rapido di quello naturale e per produrre molta più seta, ma questo le ha rese creature molto fragili e suscettibili a diverse malattie. Le falene adulte sono creature così delicate, che non sono neppure capaci di volare. Depongono circa 500 uova dalle quali, in pochi giorni, nascono delle larve piccolissime, a malapena visibili ad occhio nudo, che fanno una sola cosa: mangiare.
Sono così fameliche, che nei capannoni dove vengono nutrite, esclusivamente a foglie di gelso, si sente un rumore costante, come di acqua scrosciante. Le foglie devono essere asciutte, ma fresche e, soprattutto, non calde di sole, o le larve potrebbero morire. Si calcola che per produrre un chilo di filato siano necessari 220 chili di foglie.
Dopo aver più che decuplicato le loro dimensioni nel giro di poche settimane, i bachi sono pronti per imbozzolarsi. Cominciano a produrre il bozzolo con un unico, lunghissimo filamento di bava, protetto dalla sericina, una specie di gomma che rende compatti i bozzoli. Sapete quanto è lungo ognuno di questi filamenti? Dipende dalla razza. Quella pura arriva alla bellezza di 250 metri, ma un “cavaliere ibrido” ne può produrre 1200 e, per crescere, ci ha messo solo 28 giorni. Una macchina.
Quando il bozzolo è pronto, lo si ripulisce dalla peluria esterna (che potrà servire per delle imbottiture) e quindi il baco viene ucciso con vapore ad alte temperature, prima che rischi di rovinare il suo stesso capolavoro, tagliandolo dall’interno per uscire come falena. Poi il bozzolo viene immerso in acqua bollente, per dissolvere la sericina e trovare il capofilo: un tempo, erano le ragazzine a compiere questa delicata operazione, immergendo le mani nell’acqua bollente. Abbiamo ancora le immagini di questa dolorosissima fase, per esempio grazie ai documentari sull’industria serica italiana dell’istituto Luce, roba, insomma, di 60 anni fa. Ora immaginate lo stesso identico gesto, ma, al posto della filandera lombarda o veneta, metteteci una ragazzina cinese del 5000 a.C: le stesse dita scorticate, per 7mila anni.
Sebbene la sericoltura sia arrivata in occidente solo nel VI secolo d.C., tramite l’Impero Bizantino, in Cina il procedimento era noto da millenni. La leggenda narra che a scoprirne il segreto fu una giovane imperatrice che sorseggiava il suo tè sotto ad un albero di gelso. Un bozzolo cadde nella tazza calda e, magia, si disfece in una matassa di cui lei trovò il capo, per poi svolgerlo per tutto il giardino.
Leggende a parte, sappiamo che il baco da seta veniva allevato già nel neolitico da alcuni reperti archeologici: non abbiamo trovato la seta, che ovviamente è soggetta a decomposizione, ma sono stati rinvenuti alcuni attrezzi e addirittura immagini dipinte su ceramica che potrebbero riferirsi alla bachicoltura.
Tutto ciò che possiamo ricavare sulla storia della seta in Cina si ricollega a due aspetti fondamentali, sopravvissuti fino a tempi recenti: la seta è sacra e la seta è femmina. Si ha notizia di una divinità femminile della seta dal XVI secolo a.C. e molti proverbi cinesi, così come le incisioni sugli ossi oracolari, ripropongono la stessa immagine: l’uomo ara, la donna fila e tesse – e, in questo modo, paga le tasse.
Essendo femmina, la seta seduce. Il concetto era talmente ovvio, che nei secoli intorno alla nascita di Cristo i cinesi ci avevano fondato un’intera strategia difensiva. Stanchi e provati dalle incursioni degli Xiongnu, nomadi della mongolia settentrionale, i cinesi pensarono bene di cominciare a riempirli di regali, soprattutto di seta, un bene che per i guerrieri mongoli non aveva nessuna utilità. Eppure, i mongoli cominciarono a vendere i propri cavalli ai cinesi per ottenere altra seta. I cinesi non ne furono sorpresi. Un funzionario Han, nell’81 a.C. scrisse: “ un pezzo di seta cinese semplice può essere scambiato con Xiongnu per beni che valgono molti pezzi d’oro, e così si vanno a intaccare le risorse del nemico. Muli, asini e cammelli penetrano la frontiera, e così i cavalli, ed entrano in nostro possesso”.
Come in questa occasione, sappiamo bene che la seta è protagonista per millenni di scambi commerciali e strategie economiche e politiche, al pari dell’oro. E, come l’oro, è stata anche espressione artistica. Fin da tempi molto antichi, una volta preparato, il panno di seta veniva adornato con disegni e pattern, utilizzando tinte di origine minerale o inchiostro nero, ricavato spesso dalla fuliggine. Quest’ultimo era utilizzato per la calligrafia, che rientrava tra i principali utilizzi della pittura su seta. Essendo la carta poco utilizzata, interi poemi sono stati scritti su seta, quindi in Cina la seta fu protagonista di almeno tre diverse espressioni artistiche: la pittura, il ricamo e la letteratura.
Ad esempio:
In Veneto: Seta Etica
In Calabria: Nido di Seta
Dell’importanza della seta nei secoli passati anche in terra milanese, resta memoria nei detti popolari. Il più famoso: “A Milan anca i murun fan l’uga” (A Milano anche i gelsi fanno l’uva), come a dire che in questa città si produce ricchezza per l’operosità della sua gente.
Nei testamenti dei secoli passati, si citavano le viti e i gelsi: entrambi erano fonti di ricchezza. Anche nelle relazioni delle visite pastorali nell’estesa diocesi milanese venivano citati i gelsi e il loro numero:come fonte di reddito per i curati,veniva censita a fini fiscali.
La fama del colore, nel linguaggio e nella cultura occidentale in generale, non è quasi mai positiva. Da dove viene questa accezione ghettizzata del colore? Facciamo un rapido viaggio da Aristotele ai giorni nostri per scoprire, oggi, come ci collochiamo rispetto al colore: conformismo o evoluzione?
L'industria tessile fa uso di prodotti chimici per la preparazione e la colorazione dei tessuti. I colori, soprattutto, sono un argomento molto delicato quando si vuole cercare una svolta sostenibile ed etica per la produzione dell'abbigliamento e degli accessori. Ecco il punto della situazione.
Il foulard è un un quadrato di stoffa leggera che coniuga lo stile alla praticità. A differenza di altri ornamenti, puramente estetici, il foulard deve il suo successo alle molte applicazioni pratiche, e all'idea, nata in casa Hermés, di trasformarlo in un pezzo d'arte.
Ex libris è un timbro che si appone sul frontespizio dei libri per designarne l’appartenenza ad una famiglia, ad una biblioteca o ad una persona.
“Dai libri di…” è il significato della locuzione latina.
La storia di questa forma d’arte di nicchia ha avuto fortune alterne, di pari passo con l’importanza acquista, o perduta, del suo supporto: il libro.
Minimalisti, allegorici, complessi, artistici, funzionali, araldici, a timbro, a punzone, a stampa, a bottello, a incisione… L’arte degli Ex Libris si è servita di tecniche diverse ed è mutata di pari passo con la tecnologia, reinventandosi con il progredire del pensiero. Dalla tarda antichità fino ad oggi, vale la pena riflettere sull’evoluzione di questa forma d’arte di nicchia che, se è vero che ha avuto fortune alterne nei secoli, non è mai del tutto scomparsa. Neppure oggi, dopo la rivoluzione digitale.
Possiamo considerare una protoforma di Ex Libris le annotazioni manuali sui frontespizi dei codici tardo antichi e medievali, che divennero più frequenti nel rinascimento. Queste annotazione avevano intenti diversi. Raramente, si poteva trattare della firma dell’amanuense che aveva vergato il codice, anche se, fino almeno al rinascimento, questa mancanza di modestia nell’artigiano è assai rara. Più spesso, si trattava dell’annotazione del committente e proprietario del volume, ma c’è anche il caso che l’annotazione ricordasse il donatore.
Nel XVI-XVII secolo, dopo l’introduzione della stampa, il libro perde la sua caratteristica di oggetto unico e riconoscibile rispetto a tutte le copie dello stesso soggetto. La diffusione dell’oggetto stampato, non più riconoscibile dalle altre copie, arricchisce le biblioteche private e fa nascere l’esigenza di volerne marcare la proprietà, dando, però, un’apparenza ornamentale al marchio, che fosse adatta ad esprimere, allo stesso tempo, il livello culturale e l’agiatezza di chi lo possedeva.
Venne quasi del tutto abbandonata la forma scritta, affidando un simbolo a dei foglietti stampati appositamente, che poi venivano incollati all’interno della copertina. L’uso nacque si affermò in Germania con una sua propria forma artistica. Vi si cimentò, fra gli altri, Albrecht Dürer.
Fino al XVIII secolo, gli ex libris si limitavano di solito a riportare lo stemma araldico, che tanto bastava a designare la biblioteca di appartenenza. Nel settecento, invece, l’uso del ex libris cambiò carattere e, in risposta alla rivoluzione culturale di quel periodo, assunse la connotazione “privata” che si sviluppò nei secoli successivi.
Era l’epoca dei romanzi d’avventura, impregnati di una nuova morale, più laica e umana. Era l’epoca di libri come I viaggi di Gulliver di Jonathan Swift, il Candido di Voltaire e Robinson Crusoe di Daniel Defoe, ma anche delle pubblicazioni scientifiche e divulgative come La nuova scienza di Giambattista Vico, l’Enciclopedia di Diderot, gli scritti di Rousseau e Montesquiet.
Mano mano che le idee circolavano su carta e che i costumi della borghesia si ingentilivano, anche il collezionare libri entrò a far parte delle abitudini delle famiglie facoltose, sebbene non aristocratiche. Le teorie delle scuole filosofico-politiche venivano dibattute nei caffè e si affermarono usanze come le conversazioni letterarie, eventi in cui signore colte intrattenevano gli ospiti a suon di letteratura e intermezzi musicali. La ricerca dei libri da acquistare per impreziosire la propria biblioteca era diventata un’occupazione che preoccupava le famiglie ricche, insieme alla volontà di accumulare oggetti d’arte, locale od esotica.
Si arriva così al 1900: l’omnipervasiva Art Nouveau si impose anche sull’estetica dell’Ex Libris, che, invece che ai quadri, comonciò ad assomigliare alle locandine dei caffè parigini e alle vetrate viennesi. Anche in Italia, l’Ex Libris rinasce e, questa volta, a recuperarlo agli antichi splendori furono, non solo gli artisti, ma i nuovi professionisti del design: progettisti, architetti, industriali, che disegnarono Ex Libris per se stessi e per gli amici.
Così, ai giorni nostri, pochi fra noi hanno conservato il gusto di possedere un Ex Libris. Del resto, la digitalizzazione e gli e.book hanno trasformato il libro da oggetto a concetto. Non potendo possedere un’astrazione, l’Ex Libris ha perso la sua funzione.
Ma, come è successo per la pellicola in fotografia, la carta sta diventando, per gli amanti della letteratura, un feticcio irrinunciabile. Più la tecnologia smaterializza la lettura, più il libro diviene oggetto di desiderio, l’ancora materiale di una gestualità che sopravvive per passione, se non per utilità.
L’Ex Libris rinasce, proprio in questi anni, come forma d’arte espressione di questo mondo cartaceo, caro a molti, e, a livello mondiale, torna il collezionismo.
Raccontami nei commenti cosa pensi: ti piacerebbe possederne uno?
Per la storia dell’Ex Libris fino al XIX secolo ho tratto alcune delle notizie e delle immagini da questi due volumi:
Gli ex libris italiani. Con 9 tavole e 233 riproduzioni, delle quali 29 eseguite coi rami o cogli zinchi originali – di Bertarelli e David Henry, 1902
Potete consultarlo qui
3500 ex libris italiani – di Jacopo Gelli, 1908
Potete consultarlo qui
Nel 1858, l’impero britannico aveva posto definitivamente fine all’impero Moghul in India, transformandola in una colonia sotto il mandato di un viceré. Dall’India arrivavano in Inghilterra merci di ogni tipo, fra cui cotone, canna da zucchero, caffè, tè e tessuti.
Queste sono le cose belle di internet. Insieme ai gattini, ovvio.
Buona Pasqua a tutti!
