Sebbene non abbiano un significato univoco, i colori sono in grado di suggerire emozioni e, in alcuni casi, possono farsi carico di una parte della narrazione, come un vero e proprio sottotesto. In un romanzo, se il narratore si prende la briga di specificare il colore di un dettaglio, ad esempio un vestito, non sceglierà mai un colore a caso: vuole comunicarci qualcosa.
Affidare la comunicazione ai colori, però, potrebbe essere rischioso. In epoche diverse, in culture diverse, i colori assumono significati molto distanti fra loro. Anche facendo riferimento ad una sola epoca, diciamo la nostra, e alla sola cultura occidentale, non è detto che un singolo colore conservi lo stesso significato in tutte le situazioni.
Nonostante la difformità delle possibili interpretazioni, registi e romanzieri si affidano al colore secondo canoni che è facile intuire. Alcune scelte possono essere molto dirette, come il bianco per la purezza positiva e il nero per la malvagità, mentre altre sono più sottili o stratitificate, ma ugualmente efficaci.
Quando vengono raccontate storie di donne, capita spesso che l’abito diventi in qualche modo una parte importante della trama, soprattutto quando il romanzo viene trasposto in pellicola, ma non necessariamente.
Guidata da Riccardo Falcinelli, che in Cromorama dedica un capitolo al Blu Bovary, ho spulciato sul web le copertine di diverse edizioni del celebre romanzo di Flaubert e ho trovato questa, che mi sembra perfetta.
Alla sua prima apparizione nel romanzo, Emma appare al futuro marito, il medico Charles Bovary, vestita con un abito di lana blu, anzi, “turchino”, nella traduzione di Pavese. Emma ha i capelli e gli occhi scuri, al punto che qua e là Flaubert li descrive con riflessi bluastri, rimandando in questo caso all’accezione tenebrosa del blu, ma quando Emma acquista per sé vestiti e suppellettili di pregio (due abiti , uno di seta e uno di lana, e due vasi di vetro, acquistati a Rouen), li sceglie sempre di colore “turchino”, per la luce nobile e l’aristocratico valore della tinta blu in epoca romantica.
Nonostante nel 1706 fosse stato scoperto il Blu di Prussia, uno fra i primi pigmenti chimici utilizzati in ambito industriale, a metà ‘800 i tintori acquistavano ancora l‘indaco di importazione per i tessuti pregiati, che avevano quindi un costo elevato.
Il blu dei vasi di vetro, con cui Emma decora il camino di casa Bovary, erano probabilmente tinti con il cobalto, come le vetrate delle chiese gotiche, e costituiscono il suo tocco di classe alla casa, rappresentando la sua ambizione sociale, il suo desiderio di far parte di un mondo lontano e aristocratico.
Desiderando oggetti blu, Emma fugge dalla vita di provincia. Quando i debiti e gli abbandoni subiti dai suoi amanti diventano insopportabili, si uccide, attingendo l’arsenico da una bottiglia di vetro. Indovinate di che colore? Esatto, vetro blu.
Il nome Rossella è un adattamento italiano del nome Scarlett. Fa subito pensare al colore rosso, che rimanda al temperamento della donna e alla chioma scura, che probabilmente aveva riflessi mogano, data la sua origine irlandese. L’attrice scelta per impersonarla nel celebre film del 1938, Vivien Leigh, ha un perfetto incarnato chiaro, gli occhi verdi e i capelli scuri che ci si aspetta. Vuoi perché dona all’incarnato dell’attrice, vuoi perché rimanda alle origini irlandesi del personaggio, il verde è senza dubbio il colore che ha reso immortali gli abiti di Rossella O’Hara. Fra tutti, il più iconico è quello che Rossella, in ristrettezze economiche, ricava dalle tende di velluto verde per sfoggiare modi aristocratici, mentre sta in realtà chiedendo un prestito.
Ma cosa significa questo verde? Da una parte, il verde è la rinascita, la crescita, la fase formativa di un personaggio. Fa pensare alla speranza, eppure il verde ha anche un’accezione ambigua, legata al gioco d’azzardo e alla sorte in generale, non necessariamente buona. E in fondo Rossella è proprio questo, una giocatrice cinica, che alla fine non vince il banco, ma che, come in un gioco, è pronta a ricominciare.
Venngage, che si occupa di grafica e colore applicati al marketing e alla comunicazione in generale, ha raccolto alcuni dati sui colori utilizzati dalla Disney per i personaggi nei lungometraggi animati. Ne vengono fuori situazioni piuttosto ovvie che possono valere come paradigma generale.
Ecco un grafico tratto dalla loro analisi.
Come vedete, sul giallo, che è luce, c’è poco da discutere.
Molto più interessante è il rosso, che rappresentando un carattere passionale e determinato, può trovarsi associato sia a personaggi positivi che negativi.
Le sfumature di blu e viola rappreentano la nobiltà, il potere, il lusso e l’aristocrazia, e sono disposte in modo che, passando dal celeste della fatina, al blu scuro, e poi al viola di Malefica, mano mano si mescolino sfumature che vanno dall’assolutamente buono al malvagio, con alcune sovrapposizioni.
Il verde è sostanzialmnte positivo e molto usato nelle fasi di formazione: la Sirenetta, Merida di Brave e Mulan vestono di verde e affronteranno un percorso di crescita che le porterà a trasformarsi da bambine in eroine.
Se il nero è monopolio dei cattivi, la parità del bianco potrebbe stupirci, ma pensateci bene: a volte i lupi si vetono da agnelli e la malvagità si cela dietro a paramenti immacolati e ad una disciplina ferrea, che, alla fine, quasi combacia con una mancanza totale di moralità, come nel caso di AUTO in Wall-E.
Fuori dal mondo Disney, questo aspetto del bianco ritorna in continuazione: pensate a Saruman nel signore degli anelli o al gatto bianco accarezzato dal capo della Spectre e, infine, ai capelli candidi dei Targaryen saga fantasy Cronache del ghiaccio e del fuoco di George R. R. Martin.
Sebbene non abbiano un significato univoco, i colori sono in grado di suggerire emozioni e, in alcuni casi, possono farsi carico di una parte della narrazione, come un vero e proprio sottotesto. In un romanzo, se il narratore si prende la briga di specificare il colore di un dettaglio, ad esempio un vestito, non sceglierà mai un colore a caso: vuole comunicarci qualcosa.
Il nuovo blu YInMn, scoperto nel 2014, non è ancora disponibile sul mercato, ma un'edizione limitata di acrilici Schmincke mi ha permesso di vederlo dal vivo e di provarlo. E quindi, com'è questo blu? Ecco la mia recensione artistica e la mia prima opera con il prezioso pigmento.
Come per il blu o per il rosso, esistono diverse tonalità di grigio che hanno avuto più o meno fortuna fra gli artisti. Vi presento il Grigio di Payne, una tonalità che sicuramente conoscete, anche se probabilmente molti di voi non le avevano mai dato un nome, ma che sicuramente non è passata inosservata ai più attenti osservatori della natura.
Vi ricordate il mio entusiasmo per la scoperta del nuovo blu? Da quando ho saputo della scoperta, nel 2014, del blu YInMn non ho fatto che pensare che si tratti del colore del millennio, principalmente per due ragioni. Intanto, anche in foto il colore mi sembrava eccezionalmente ricco e avvolgente: molti lo confondono con il blu di Yves Klein, che però non è un nuovo pigmento, è solo una miscela di cobalto e oltremare, con una speciale vernice. Secondo, a differenza degli altri pigmenti chimici, il nuovo blu è atossico.
Ho letto molto sull’argomento e ne ho parlato anche con voi, rimanendo in attesa della possibilità di vederlo dal vivo. Finalmente, la Schmincke, una delle mie marche preferite per il materiale artistico, ha reso disponibile un’edizione limitata di acrilici e di colori ad olio: piccole quantità, costi esosi e difficili da trovare, ma non potevo arrendermi. Sono finalmente riuscita ad acquistare un tubetto su un sito inglese e in questi giorni l’ho potuto finalmente sperimentare, ma, soprattutto, vedere con i miei occhi.
Ho scelto una tela di piccolo formato, 30×30 cm, e mi sono fatta coraggio. Vista la rarità e il costo del tubetto, so che non avrò a disposizione tante altre occasioni, almeno finché il blu YInMn non sarà finalmente in commercio con una produzione industriale a prezzi convenienti, cosa che succederà sicuramente, ma nessuno sa dire di preciso quando.
Carica di aspettative, ho aperto il colore per la prima volta e ne ho spremuto una nocciolina direttamente sulla tela.
Ricorda davvero molto il blu di Klein, ma racchiude una nota di rosso che lo rende ancora più ipnotico. Ho pensato pensato subito che Kandinskij lo avrebbe amato e che sarebbe stato l’ossessione di Matisse.
Ho iniziato colorando una porzione di tela, spargendolo con il pennello. Alla prima stesura, la consistenza, piuttosto liquida, crea uno strato non del tutto coprente. Non c’è bisogno di diluirlo con acqua o altro medium. Ho aspettato che il primo strato asciugasse per dare una seconda mano e, a questo punto, compattato il colore, l’ho guardato asciugare. A differenza di altri pigmenti, non cambia affatto dopo l’asciugatura: rimane brillante esattamente come appena steso, ancora umido. Se vi sembra bello in foto, tenete conto che dal vivo è anche più particolare: un colore così saturo è una vera rarità.
Ho dipinto di blu il soggetto principale del disegno, un grosso felino nell’atto di afferrare un bue, e ho richiamato il colore su alcuni dettagli, soprattutto in una porzione di cielo stellato. Si può dire un bestiario in azione, una scena di caccia e supremazia. La belva brilla di un colore intenso e definitivo, mentre la preda è di un cangiante beige, bianco, giallo, neutra e passiva.
Soddisfatta dell’accostamento dei colori, soprattutto tra blu e dorato, ho affiancato una seconda tela a formare un dittico.
Qui puoi vedere e acquistare i due quadri:
Non sono riuscita a “staccare”: la sessione di pittura è durata tutto il giorno e parte della notte, cose che non succedeva da un po’.
Mi è avanzato molto colore, perché bastano due strati per compattare alla perfezione la consistenza del blu YInMn della Schmincke. Sono felice quindi di avere a disposizione un’altra possibilità di esprimermi grazie a questo splendido pigmento, talmente bello che sembra quasi di barare: troppo facile creare qualcosa di bello!
Vuoi acquistare la Regola del Blu #1 e #2? Visita la galleria!
Non è ancora possibile utilizzare il blou YInMn per la tintura dei tessuti. La speranza, però, è che in futuro si faccia più intensa la ricerca in questo senso, affinché si possano produrre colori brillanti, con il minimo impatto sulla salute dell’uomo e dell’ambiente.
Il mio omaggio su tessuto, un bellissimo misto seta-lana, è un blu che ho ottenuto grazie ad una miscela di colori in quadricromia, con un’impregnatura dosata ad arte per rimenere brillante sul tessuto, con un leggero effetto satinato.
40,00€
Esaurito
Sebbene non abbiano un significato univoco, i colori sono in grado di suggerire emozioni e, in alcuni casi, possono farsi carico di una parte della narrazione, come un vero e proprio sottotesto. In un romanzo, se il narratore si prende la briga di specificare il colore di un dettaglio, ad esempio un vestito, non sceglierà mai un colore a caso: vuole comunicarci qualcosa.
Il nuovo blu YInMn, scoperto nel 2014, non è ancora disponibile sul mercato, ma un'edizione limitata di acrilici Schmincke mi ha permesso di vederlo dal vivo e di provarlo. E quindi, com'è questo blu? Ecco la mia recensione artistica e la mia prima opera con il prezioso pigmento.
Come per il blu o per il rosso, esistono diverse tonalità di grigio che hanno avuto più o meno fortuna fra gli artisti. Vi presento il Grigio di Payne, una tonalità che sicuramente conoscete, anche se probabilmente molti di voi non le avevano mai dato un nome, ma che sicuramente non è passata inosservata ai più attenti osservatori della natura.
Come per il blu o per il rosso, esistono diverse tonalità di grigio che hanno avuto più o meno fortuna fra gli artisti. Vi presento il Grigio di Payne, una tonalità che sicuramente conoscete, anche se probabilmente molti di voi non le avevano mai dato un nome, ma che sicuramente non è passata inosservata ai più attenti osservatori della natura.
Il grigio vero e proprio non è un colore: non avendo tonalità è acromatico. Lo si ottiene modulando l’intensità della luce, dal bianco assoluto, all’assenza di luce, ossia al nero.
Nella realtà della materia e dei colori pittorici, però, è difficile che esistano gli assoluti. Il bianco non è mai luce piena e il nero, lo abbiamo visto, riflette sempre una parte dello spettro cromatico, seppure minima. In più, sia il nero che i grigi possono essere cromatici. Il nero, ad esempio, si può ottenere, in quaricormia, mescolando in parti uguali tutti i colori primari, ossia ciano, magenta e giallo. Per la verità, agendo in questo modo, è più facile ottenere tonalità diverse di grigio, che possono essere non solo più o meno scure, ma anche più o meno calde o fredde. Ossia, il grigio smette di essere un colore acromatico e diventa una sfumatura, ad esempio, del blu.
È questo il caso del Grigio di Payne, una delle tonalità più amate dai pittori, principalmente da chi si dedica all’acquerello paesaggistico.
Il suo nome deriva da quello del suo inventore, un pittore inglese di dubbia fama che visse a cavallo fra XVIII e XIX secolo. William Payne non era un artista particolarmente geniale, anche se probabilmente era un buon insegnante. Nel Dictionary of National Biography, che si occupa di raccogliere notizie biografiche di tutte le figure notabili del Regno Unito, la sua opera viene descritta come manieristica e la sua vena artistica ben presto esaurita e superata. Eppure, Payne fu molto efficace nel venire a capo di un dilemma non da poco per un paesaggista: di che colore è l’atmosfera?
Avrete notato che gli oggetti lontani, come palazzi o montagne, assumono una colorazione indistinguibile. L’effetto è dovuto al pulviscolo atmosferico che rifrange la luce, appiattendo qualsiasi colore in una sfumatura omogenea tendente al blu. Per dare l’effetto di lontananza ad un qualsiasi oggetto, è necessario tenere conto di questo effetto e riprodurlo sulla carta, ignorando il colore originale dell’oggetto in questione. Payne dovette spendere molto tempo alla ricerca della sfumatura perfetta, tanto che nessuno ricorda un suo quadro, ma oggi ancora possiamo acquistare tinte con il suo nome: il Grigio di Payne, appunto.
Ma cos’è il Grigio di Payne? Intanto, non è un pigmento puro, ma una miscela. La sua ricetta originale prevede blu di Prussia, giallo ocra e cremisi. A dirla tutta, volendolo miscelare a casa, il modo più rapido di ottenere una sfumatura molto simile è mescolare un blu scuro marino ad un terra di Siena bruciata, che in sé sintetizza l’ocra e le sfumature rosse necessarie per ottenere questo grigio bluastro.
Il Grigio di Payne è il colore perfetto per la penombra, per le montagne all’orizzonte, per i palazzi al crepuscolo o gli oggetti immersi nella nebbia e nello smog. È un colore adatto ad esprimere la lontananza, la malinconia e la reminiscenza, ma non solo. Se ci si lascia andare oltre il margine del realismo, laddove Payne sicuramente non si era mai avventurato, il suo grigio può egregiamente interpretare la parte seducente del confine fra luce e colore, regalando profondità ai tratti più luminosi e smorzando i contrasti fra colori opposti di un’opera astratta.
Attualmente, Maimeri, Van Gogh e Winsor&Newton sono alcuni dei produttori che mettono a disposizione questa tonalità, anche se le loro formule differiscono molto e quindi anche il risultato è piuttosto variabile. Personalmente, non credo di aver mai acquistato il colore pronto: preferisco mescolare il blu con più o meno ocra e Terra di Siena, fino ad ottenere la sfumatura vellutata che preferisco. Un’altra scorciatoia consiste nell’aggiungere il nero, ma la sconsiglio: meglio sprecare un po’ di colore sperimentando la giusta quantità di blu di prussia, per ottenere una tonalità meno piatta e assai più interessante e personalizzata.
Sebbene non abbiano un significato univoco, i colori sono in grado di suggerire emozioni e, in alcuni casi, possono farsi carico di una parte della narrazione, come un vero e proprio sottotesto. In un romanzo, se il narratore si prende la briga di specificare il colore di un dettaglio, ad esempio un vestito, non sceglierà mai un colore a caso: vuole comunicarci qualcosa.
Il nuovo blu YInMn, scoperto nel 2014, non è ancora disponibile sul mercato, ma un'edizione limitata di acrilici Schmincke mi ha permesso di vederlo dal vivo e di provarlo. E quindi, com'è questo blu? Ecco la mia recensione artistica e la mia prima opera con il prezioso pigmento.
Come per il blu o per il rosso, esistono diverse tonalità di grigio che hanno avuto più o meno fortuna fra gli artisti. Vi presento il Grigio di Payne, una tonalità che sicuramente conoscete, anche se probabilmente molti di voi non le avevano mai dato un nome, ma che sicuramente non è passata inosservata ai più attenti osservatori della natura.
Delicato nelle sue tonalità azzurrine, profondo e misterioso come la notte, meraviglioso nelle sue gradazioni indaco: il colore blu è da sempre una tonalità che affascina e allo stesso tempo intimorisce.
La storia è piena di questi esempi. Basti pensare come questo colore cambi importanza a seconda dell’epoca e della zona geografica. Amato dagli Egizi, barbaro per i Romani, sacro nelle cattedrali gotiche, questo colore dalle mille sfumature ha una storia tormentata, ma che non smette di incuriosire appassionati e artisti di tutto il mondo.
L’utilizzo del blu come pigmento ha origini molto antiche, ma travagliate: il pigmento blu, infatti, è presente in natura, ma difficilmente estraibile, tanto che, fin da subito, si è ricorsi alla chimica, grazie alla ricetta misteriosa degli antichi egizi. Gli antichi Egizi associavano il blu al divino e alla vita ultraterrena. Lo apprezzavano al punto che, per risparmiare sul costo oneroso dei lapislazzuli, dai quali si otteneva il blu oltremare, avevano inventato una loro miscela la cui ricetta rimane in parte un mistero, dando vita al primo pigmento chimico della storia.
➝ Leggi di più sul blu nell’antichità, a partire dal blu egizio
L’esigenza di ricorrere a metodi più accessibili per ottenere un blu stabile come quello dei lapislazzuli ha costituito un problema che nell’antichità e nel medioevo veniva spesso gestito ricorrendo alla meno preziosa e meno brillante azzurrite, ampiamente utilizzata in pittura. Per alcuni utilizzi, ad esempio nella pasta di vetro, veniva impiegato il blu cobalto estratto dai minerali. Ne sono un esempio le meravigliose vetrate gotiche di Chartres, che nel 1200 sanciscono il ritorno del blu tra i colori associati al divino, dopo un lungo periodo di egemonia del rosso, che durava dall’epoca romana.
➝ Scopri di più sulle vetrate gotiche e sul blu nel medioevo
L’intensità del blu oltremare rimase in parte un miraggio, fino all’età moderna, quando la chimica ha permesso di ideare formule meno costose, ossia il blu di Prussia e il blu Cobalto prodotto per sintesi. Entrambe le formulazioni comportano la manipolazione di materiali tossici e pericolosi, un fatto che però ha raramente scoraggiato artisti e pittori.
Nonostante il suo utilizzo sia stato sostanzialmente continuativo, come tutti i colori, anche il blu ha conosciuto fortune alterne. Non solo i materiali e le tecniche per ottenerlo sono cambiati: anche il suo significato ha subito una sostanziale evoluzione.
Tutt’oggi, il blu rappresenta la leggerezza del cielo al mattino, oppure il buio su cui brillano le stelle e l’abisso delle profondità del mare. Per Picasso, il periodo Blu coincide con il dolore della perdita e nelle sue tonalità più avvolgenti esprimeva il lutto. Il Blu è, insomma, un colore dalle mille sfumature simboliche.
Il blu è un colore ancora molto apprezzato, anzi, secondo alcune statistiche è addirittura il colore più amato in occidente, ed è presente nella vita di tutti i giorni. Viene utilizzato spesso nel marketing perché è associato a tranquillità, affidabilità e calma.
Le sue gradazioni sono largamente impiegate negli edifici pubblici come scuole e ospedali, e negli ultimi decenni (e solo negli ultimi decenni) viene associato anche alla mascolinità.
Chi è appassionato di arte e colore sa che si possono “scoprire” nuove tonalità, spesso per caso.
La scoperta di nuovi pigmenti è un evento raro, soprattutto nel caso del blu: la recente creazione del blu YInMn è stata considerata da subito cun fatto straordinario, perché si tratta del primo nuovo pigmento blu dopo ben 200 anni. L’ultimo, era stato il Cobalto sintetico nel 1802.
Come vedremo, a differenza del Vantablack, il colore nero brevettato nel 2014, che è il risultato di una ricerca mirata, la messa a punto del YInMn Blue è un caso del tutto accidentale.
➝ Il nero assoluto: non solo Vantablack
➝ Colori tecnologici creati in laboratorio: scopri come cambieranno il mondo
Nel 2009 accadde un evento imprevisto: degli scienziati della Oregon State University (OSU) inventarono per caso un nuovo blu. Fu il laboratorio chimico del professor Mas Subramanian a fare questa felice scoperta e a intuire fin da subito il potenziale commerciale del nuovo pigmento.
La nuova tonalità di blu si chiama YInMn (pare si pronunci Yin Min), perché prende il nome dal composto di materiali che la forma, ovvero il molto costoso raro territo ittrio (Y), l’estremamente raro semi-metallo indio (In) e manganese (Mn). Scaldando questo composto alla temperatura di 1100 C°, gli studenti del laboratorio dell’OSU hanno assistito alla comparsa inaspettata di una splendida tonalità di blu.
Il Blu YInMn non contiene parti di pigmento nero o bianco, che vengono utilizzate per rendere più intense e brillanti alcune tonalità, risultando quindi straordinariamente puro. La sua struttura cristallina ha la capacità di assorbire le onde dei colori rosso e verde; di conseguenza, riflette solamente la tonalità di blu, caratterizzandosi per un intenso blu scuro, fra il blu oltremare e il cobalto, con un sottotono rosso. L’azienda Derivan lo definisce “simile all’Ives Klein Blue”, che è appunto un derivato del Blu Cobalto.
La scoperta di Mas Subramanian è stata fortuita e lo ha portato alla ribalta delle news di settore, rendendo questo nuovo colore un prodotto già molto ricercato.
Si tratta davvero di un blu straordinario, ancora di più se si considera che, al contrario dei suoi predecessori, questo pigmento non è tossico. Un colore efficace e sicuro, quindi, che ha già conquistato aziende e appassionati d’arte.
Il pigmento ha un basso fabbisogno di olio ed è adatto per tempere e colori ad acqua, come i colori acrilici, sia artistici che industriali.
Questo particolare blu riflette le onde infrarosse in modo efficiente (circa il 40%), molto di più rispetto agli altri tipi di blu. Per questo motivo il blu YInMn è particolarmente durevole nel tempo e agisce come agente protettivo nei confronti del calore e della luce solare.
Essendo anche molto resistente e stabile, lo si potrebbe, per esempio, utilizzare per la copertura del tetto, in modo da creare un ottimo isolamento termico per un’abitazione. Può anche essere usato sulla plastica e come colore per pittura.
Nel 2017 la celebre azienda di pastelli Crayola lo incluse nella sua gamma di colori e decise di indire un concorso per assegnare il nome commerciale della nuova tonalità di blu. Vinse Bluetiful, votato il migliore tra cinque finalisti: gli altri erano Blue Moon Bliss, Dreams Come Blue, Reach For the Stars, Star Spangled Blue.
Personalmente sono più interessata al colore acrilico e quindi ho dato il via alla ricerca. L’ho trovato negli USA e in Australia, su diversi siti che rivendono i prodotti della Derivan, la prima azienda a ricevere il permesso di utilizzare il nuovo pigmento e metterlo in vendita anche per gli artisti. Non mi sono preoccupata di verificare la possibilità di ricevere una spedizione, e ho constatato solo il costo del tubetto da 40 ml che si aggira intorno agli 80 dollari. Ho anche trovato il colore ad olio, tubetto da 37 ml, al costo di 75 dollari. Vista la rarità dei materiali e il fatto che il pigmento viene oggi prodotto in piccole quantità, mi aspettavo un prezzo consono e non sono affatto stupita. Credo, però, che aspetterò un’occasione più propizia, rinunciando per ora all’acquisto.
Sono riuscita ad acquistare un tubetto! Si tratta dell’edizione limitata della Schmincke. Se vuoi sapere cosa ne ho fatto e come è andata, lo racconto qui.
Mentre indagavo sul nuovo pigmento, mi è venuta la curiosità di capire, in rapporto ad altri pigmenti blu, quale fosse il costo del Blu YInMn e, con l’aiuto di uno shop di pigmenti, ho potuto togliermi ogni dubbio: il Blu Oltremare dei Lapislazzuli è tuttora il più prezioso in circolazione.
Blu puro di lapislazzuli
20.813,10 € / 1 kg
YInMn Blue
4.165,00 € / 1 kg
Blu di Azzurrite
3.076,15 € / 1 kg
Su reddit, qualcuno ha postato una ricetta per creare il proprio YinMn Blue: non ci proverei, ma sono affascinata dal rigore scientifico del post e dalle intenzioni artistiche. Se voleste provarci voi, fatemi sapere 🙂 Ecco la ricetta.
Sebbene non abbiano un significato univoco, i colori sono in grado di suggerire emozioni e, in alcuni casi, possono farsi carico di una parte della narrazione, come un vero e proprio sottotesto. In un romanzo, se il narratore si prende la briga di specificare il colore di un dettaglio, ad esempio un vestito, non sceglierà mai un colore a caso: vuole comunicarci qualcosa.
Il nuovo blu YInMn, scoperto nel 2014, non è ancora disponibile sul mercato, ma un'edizione limitata di acrilici Schmincke mi ha permesso di vederlo dal vivo e di provarlo. E quindi, com'è questo blu? Ecco la mia recensione artistica e la mia prima opera con il prezioso pigmento.
Come per il blu o per il rosso, esistono diverse tonalità di grigio che hanno avuto più o meno fortuna fra gli artisti. Vi presento il Grigio di Payne, una tonalità che sicuramente conoscete, anche se probabilmente molti di voi non le avevano mai dato un nome, ma che sicuramente non è passata inosservata ai più attenti osservatori della natura.
Non è come viaggiare, è vero, ma concedersi un tour virtuale è una valida alternativa all’immobilità di questo momento storico. State a casa e venite con me: oggi, per #artistantecolore, vistiamo Frida Kalho nella sua Casa Azul.
Non che Frida Kalho abbia bisogno di presentazioni, ma forse non tutti conoscono alcuni dettagli della tua biografia, quindi mi permetto un brevissimo riassunto.
Magdalena Carmen Frida Kahlo y Calderón era il suo nome completo. Nacque da genitori ebrei tedeschi emigrati dall’Ungheria a Città del Messico, il 6 luglio del 1907, ma lei preferiva dire di essere nata nel 1910, con la rivoluzione e con il nuovo Messico.
Da piccola si ammalò di poliomielite e rimase storpia. Il suo corpo, già gravemente debilitato, venne martoriato da un incidente che la coinvolse quando aveva solo 18 anni: un tram investì l’autobus sul quale viaggiava e lei si ritrovò stritolata dalle lamiere.
Tutta la sua vita venne segnata da questo incidente, sia perché i dolori non le diedero mai tregua (dovette anche sottoporsi ad un numero spropositato di interventi chirurgici), sia perché fu l’immobilità forzata del primo anno di convalescenza a spingerla a dipingere. Suo padre, fotografo e pittore, teneva in casa dei colori ad olio, coni quali Frida cominciò a dedicarsi a piccole opere e autoritratti, che eseguiva grazie ad uno specchio che la madre le aveva montato sul letto.
Nonostante le enormi difficoltà fisiche, Frida fu molto attiva: nell’arte, nell’insegnamento, nella politica, nell’amore. Moglie di Diego Riveira, che sposò nel 1929 nonostante la differenza di età (lei aveva 22 anni, lui 43), fu il fulcro della scena culturale messicana fino agli ultimi giorni della sua breve vita. Si spense a 47 ani a causa di una polmonite, nella sua Casa Azul.
Frida eredita la sua casa dal padre, che aveva iniziato a costruirla prima della sua nascita, nel 1904, con un patio interno che ospitava, e ospita ancora, un lussureggiante giardino. A causa dell’immobilità sui fu costretta, prima per la Poliomielite, poi a causa dell’incidente, Frida vive la sua casa in modo molto particolare, come paradiso e, allo stesso tempo, come prigione. Infatti lascia la casa natale appena è in grado di farlo, ma vi torna a 40 anni e la trasforma a sua immagine. Particolare cura mette nelle decorazioni della cucina, che Frida interpreta come cuore pulsante della casa e focolare che si alimenta del suo amore travagliato per Diego Riveira.
Il giallo e il blu, che sono colori opposti, dominano tutta la casa, sia all’esterno che all’interno. Mentre il giallo prevale all’interno, il blu è il colore predominante per l’esterno. In questo modo, sembra quasi che la luce provenga dall’interno della casa.
Ci sono due modi per fare il tour della casa. Il primo è affidarvi a Google, che ha curato, in partnership con il Museo Frida Kalho il tour virtuale:
Io però preferisco accedere direttamente dalla pagina del museo, perché mi sembra che la navigazione sia più fluida e poi perché visitare direttamente il sito aumenta il loro numero di visitatori e questo è un modo, in un certo senso, di pagare il biglietto.
Tour virtuale Museo Frida Kahlo
Sebbene non abbiano un significato univoco, i colori sono in grado di suggerire emozioni e, in alcuni casi, possono farsi carico di una parte della narrazione, come un vero e proprio sottotesto. In un romanzo, se il narratore si prende la briga di specificare il colore di un dettaglio, ad esempio un vestito, non sceglierà mai un colore a caso: vuole comunicarci qualcosa.
Il nuovo blu YInMn, scoperto nel 2014, non è ancora disponibile sul mercato, ma un'edizione limitata di acrilici Schmincke mi ha permesso di vederlo dal vivo e di provarlo. E quindi, com'è questo blu? Ecco la mia recensione artistica e la mia prima opera con il prezioso pigmento.
Come per il blu o per il rosso, esistono diverse tonalità di grigio che hanno avuto più o meno fortuna fra gli artisti. Vi presento il Grigio di Payne, una tonalità che sicuramente conoscete, anche se probabilmente molti di voi non le avevano mai dato un nome, ma che sicuramente non è passata inosservata ai più attenti osservatori della natura.
Alcuni abbinamenti di colori ci risultano più familiari di altri, come se racchiudessero un codice universale che ce li fa percepire come armonici. È il caso del rosso con il blu, di cui parliamo oggi per #artistantecolore.
Se dico rosso e blu, cosa vi viene in mente? Molte bandiere importanti, senza dubbio, ma anche una quantità di brand nazionali e internazionali. Rosso e blu è un abbinamento sdoganato anche dalla moda, bel oltre lo stile marinaresco, principalmente se il colore principale è il blue navy e l’accessorio di un un bel rosso carminio brillante.
Probabilmente non vi è mai capitato di riflettere sul perché rosso e blu risulti un abbinamento così diffuso e vincente e, se provate adesso, vi verrà forse in mente la regola degli opposti, che però non si applica, perché rosso e blu non sono complementari. Il complementare del blu, infatti, è il giallo. Anche scomodando la triade, se centriamo il rosso, con il blu finiamo in una zona limitrofa al verde, quindi il primo dato interessante è che le famose regole per gli abbinamenti si applicano al mondo reale come la geometria euclidea, avete presente? Affascinanti le linee parallele, ma non esistono.
Il rosso e il blu si sono sempre contrapposti nella storia del costume e dell’arte. Per gradazione di luce, abbiamo come risultato la contrapposizione di rosa e celeste. Vi sembrerà strano, ma fino a non molto tempo fa il rosso era considerato il colore potente, quello abbinato alla mascolinità, pertanto era il rosa, non il celeste, il colore che si consigliava di far indossare ai bambini maschi. Il celeste era considerato più delicato, malinconico e insapore, perché proveniente dal blu, che con le suo note notturne non si addiceva alla rappresentazione del potere: del resto, il sangue è rosso, così come il fuoco, le giubbe dei soldati inglesi e le vesti dei cardinali. Della diffusione di questa convinzione si ha testimonianza anche in un articolo del 1893, del New York Times che dettava le regole per l’abbigliamento del neonato. Con un pizzico di sarcasmo, l’autrice aveva azzardato anche una spiegazione provocatoria, scrivendo che, del resto, le aspettative dei maschi erano senza dubbio più rosee di quelle delle femmine e che queste ultime dovevano avere una “fifa blu” al pensiero di crescere in un mondo ostile alle donne. Insomma, la faccenda era confusa sui colori, ma già allora molto chiara sulla questione del patriarcato.
Perdonatemi, sto divagando: torniamo subito al rosso e al blu, ma prima andate a vedere il lavoro di Jeongmee Yoon “The pink&blue project“
In qualunque ambito si indaghi, la presenza dell’uno rimanda all’altro, come fossero alternativi e, in fondo per questo, inseparabili.
Questo è vero nella moda, ma molto di più nell’arte. Che i dipinti con un contenuto di rosso e blu fossero quelli più appetitosi, i mercanti d’arte lo hanno sempre spacciato come un dogma di marketing, ma ultimamente è saltata fuori anche la prova scientifica. Tutto è nato da un editoriale del 2013 di Philip Hook, senior paintings specialist presso Sotheby’s, che asseriva che rosso e blu “tendono ad essere buone notizie”, ovviamente dal punto di vista dei venditori, perché, a suo parere, erano in grado di far lievitare le quotazioni di un’opera. Il CentERlab della Tilburg University in Olanda ha preso la palla al balzo e ha deciso di provare a dimostrare questa affascinante teoria.
Come primo test, i ricercatori hanno deciso di mettere insieme un database di opere vendute tra il 1994 e il 2017 e di prenderne in considerazione il prezzo di vendita. Per evitare che altri fattori, oltre al colore, incidessero in maniera significativa, hanno costruito questo database eliminando tutte le distrazioni: i dipinti dovevano essere astratti, non figurativi, privi di elementi di richiamo come materiali e supporti troppo specifici e stimolanti. Insomma, erano tutti rettangolari e colorati, questo tutto.
Ebbene, è risultato che per i dipinti con i colori rosso e blu, abbinati e non, si era incamerato un guadagno maggiore, in media, di oltre il 10%, con punte del 13-14% per i quadri a prevalenza blu.
Oltre a questa raccolta dati, i ricercatori hanno anche utilizzato 500 studenti, provenienti da diverse parti del mondo, per simulare delle aste, che hanno confermato pressappoco lo stesso risultato.
Il tutto è pubblicato n qeusto studio, dal titolo “Colors, Emotions, and the Auction Value of Paintings“.
Lo aveva tenuto in conto Picasso, passando dal periodo blu al periodo rosa? E Mondrian quando dipingeva i suoi gigli?
Non si sa. Magari però ci avrà pensato Anish Kapoor per questa installazione (ve lo ricordate? lui è quello che ha comprato i diritti del vantablack, quindi, ad occhio, è uno che presta particolare attenzione alla commercializzazione del colore).
Sebbene non abbiano un significato univoco, i colori sono in grado di suggerire emozioni e, in alcuni casi, possono farsi carico di una parte della narrazione, come un vero e proprio sottotesto. In un romanzo, se il narratore si prende la briga di specificare il colore di un dettaglio, ad esempio un vestito, non sceglierà mai un colore a caso: vuole comunicarci qualcosa.
Il nuovo blu YInMn, scoperto nel 2014, non è ancora disponibile sul mercato, ma un'edizione limitata di acrilici Schmincke mi ha permesso di vederlo dal vivo e di provarlo. E quindi, com'è questo blu? Ecco la mia recensione artistica e la mia prima opera con il prezioso pigmento.
Come per il blu o per il rosso, esistono diverse tonalità di grigio che hanno avuto più o meno fortuna fra gli artisti. Vi presento il Grigio di Payne, una tonalità che sicuramente conoscete, anche se probabilmente molti di voi non le avevano mai dato un nome, ma che sicuramente non è passata inosservata ai più attenti osservatori della natura.
Ritorno sul Blu per un viaggio in medioriente, nel cuore dell’Anatolia. Per #artistantecolore vi parlerò di un sorprendente Oltremare, pervasivo e perfetto, come solo Giotto sapé creare, tre secoli più tardi, ad Assisi.
Ho parlato in un altro post del cobalto di Chartres e di come dal XII sec in poi il blu divenne il colore favorito in tutto l’occidente, ma non posso tralasciare di fare un passo indietro, fino al X sec, per parlarvi del blu oltremare di Cappadocia.
Scopriamo così che, ben tre secoli prima del capolavoro di Giotto ad Assisi, il blu veniva usato nella sua forma più nobile, quella estratta dai lapislazzuli, per la realizzazione di una basilica che non ha eguali nella storia dell’arte cristiana. Parlo della Chiesa Nuova di Tokali (Tokali Kilisi, chiesa della Fibbia, probabilmente da un ornamento in bassorilievo sull’arcata di una navata), datata 950-960 dC e facente parte del monumentale complesso rupestre di Göreme, in Cappadocia.
Sebbene non abbiano un significato univoco, i colori sono in grado di suggerire emozioni e, in alcuni casi, possono farsi carico di una parte della narrazione, come un vero e proprio sottotesto. In un romanzo, se il narratore si prende la briga di specificare il colore di un dettaglio, ad esempio un vestito, non sceglierà mai un colore a caso: vuole comunicarci qualcosa.
Il nuovo blu YInMn, scoperto nel 2014, non è ancora disponibile sul mercato, ma un'edizione limitata di acrilici Schmincke mi ha permesso di vederlo dal vivo e di provarlo. E quindi, com'è questo blu? Ecco la mia recensione artistica e la mia prima opera con il prezioso pigmento.
Come per il blu o per il rosso, esistono diverse tonalità di grigio che hanno avuto più o meno fortuna fra gli artisti. Vi presento il Grigio di Payne, una tonalità che sicuramente conoscete, anche se probabilmente molti di voi non le avevano mai dato un nome, ma che sicuramente non è passata inosservata ai più attenti osservatori della natura.
Mentre facevo una piccola ricerca sull’indaco, mi sono imbattuta nei tessuti Ukara e nella lunga pratica culturale e artistica che rappresentano. Gli Ukara sono dei panni colorati con l’indaco, su cui vengono disegnati dei glifi per sottrazione. Ossia, prima dell’immersione nel colore, il tessuto viene ricamato con della rafia, in modo che, una volta bagnato nell’indaco, la parte ricamata non riceva il colore e rimanga bianca. In questo modo, quando il panno asciuga, eliminado la rafia affiora il disegno.
La tecnica di tintura per sottrazione è comune ad altre culture: si pensi ad esempio al batik indonesiano, che utilizza la cera allo stesso scopo. Quello che rende gli Ukara davvero unici è il significato dei glifi che compongono il disegno.
Molto prima che gli europei arrivassero nell’Africa occidentale, gli Ekoi (Ejagham), una popolazione che viveva nei territori dell’attuale Nigeria sud orientale, avevano sviluppato una forma unica di scrittura ideografica chiamata Nsibidi. Risalente almeno al V sec, la scrittura Nsibidi, come le rune germaniche, veniva utilizzata principalmente a scopi rituali. I glifi che la compongono venivano usati per creare i tessuti Ukara, decorare la ceramica, ma anche per adornare i corpi degli iniziati, tutti uomini, che, di fatto, hanno mantenuto vivo l’uso ritualizzato della lingua Nsibiti fino ai giorni nostri. Questi uomini fanno parte della setta Ekpe, una società segreta esclusivamente maschile, che ha i suoi adepti anche in Brasile e a Cuba, dove è stata importata dagli schiavi provenienti dalla Nigeria, insieme ai glifi Nsibidi, che si sono fusi con altre simbologie nei riti spiritisti afroamericani, comeil voodoo.
Gli Ukara, che vengono realizzati sia come arazzi, sia come panni da legare in vita durante i cerimoniali, hanno significati misterici precisi, personalizzati in base all’uomo che li indossa o all’occasione in cui vengono esposti. Sebbene possano essere utilizzati esclusivamente dai membri della setta Ekpe, oggi l’elaborato processo di produzione è in mano ad una piccolo villaggio del sud est della Nigeria, nei pressi di Igbo, popolato da una comunità Ezillo. Il fatto curioso è che membri del villaggio non fanno parte della setta e gli artigiani non conoscono il significato dei glifi che vengono loro commissionati.
I simboli sono disposti in una griglia, dando ai tessuti il loro caratteristico pattern ordinato e simmetrico, spesso rinforzato da motivi ripetuti. I glifi nsibidi possono trasmettere significato singolarmente o in gruppo e ogni segno può essere figurativo, geometrico o astratto o può rappresentare un oggetto fisico, un concetto o una narrazione. I singoli simboli possono anche avere molteplici significati, rendendo il contesto importante per l’interpretazione del significato.
Trovate qui la fonte delle immagini che ho utilizzato per l’articolo e una spiegazione dettagliata del processo di produzione degli Ukara.
Qui, invece, un articolo del Guardian sulla lingua Nsibidi.
Il colore più popolare in occidente è il Blu. Chiedete a donne, uomini e bambini, molti lo indicheranno come colore preferito, in una delle sue gradazioni. Non è sempre stato così e questa è un’altra puntata di #artistantecolore.
L’arte egizia, codificata e immutata per secoli (anzi, millenni), è rimasta un cosmo a parte, talmente ben definito che anche un bambino fa in fretta a farsene un’idea e a riconoscerne i tratti fondamentali. Uno di questi, era l’uso del blu.
Anticamente il blu si otteneva principalmente dai lapislazzuli afgani (da cui il nome “blu oltermare”, proveniente da lontano, che si usava in Europa), il che rendeva il pigmento raro e costoso e, forse anche per questo, non era affatto popolare nell’arte greco-romana. Gli egiziani, però, davano al blu una valenza divina e per poterlo utilizzare in quantità inventarono il primo pigmento artificiale della storia, che in seguito fu designato come blu egiziano. Si trattava di una miscela non molto stabile di cui Vitruvio ci tramanda una ricetta incompleta: nel suo De Architettura (I sec AC), parla del Ceruleo e lo descrive come mescolanza di sabbia, rame e natron.
Il blu così ottenuto tendeva a scurire, ma l’impegno profuso per trovare una formula artificiale ci parla dell’importanza che doveva avere per l’arte egizia.
Come dicevo, il blu non godeva di altrettanto successo nell’area latina. I romani, anzi, lo associavano ai barbari, attribuendogli una valenza oscura e una vicinanza alle tenebre notturne che perdurò anche nel medioevo. Questo sospetto intorno al blu si rifletteva sulle lingue: il latino usava le parole Cyaneus e Caeruleus, ma non doveva essere un uso così popolare, tanto che le lingue romanze andarono a pescare le parole per il blu altrove. Così oggi ancora ci rifacciamo al Blau germanico e all’Azraq Arabo.
Fu solo a partire dall’XI che il concetto di blu venne ribaltato e che tornò ad essere il colore della luce “celestiale”.
Cosa era successo? Una delle motivazioni di questa rivalsa è da ricercarsi nei cambiamenti sociali, politici e religiosi cui l’Europa stava andando incontro. È in questo periodo che fiorisce l’araldica, nascono i cognomi, si fa un gran uso di stemmi, blasoni e insegne per famiglie, casati e corporazioni. Sembrava si dovesse catalogare ed etichettare tutto e i colori base – nero, bianco e rosso – cominciarono ad essere insufficienti, e quindi si passò ad un sistema a sei colori, con l’aggiunta di verde, giallo e blu.
Quando l’Abate Sugerio, nel 1140, inondò Saint Denis con il blu cobalto delle vetrate gotiche, era fatta: il blu aveva dissipato le tenebre nelle navate delle chiese e si era contrapposto al rosso. Da Saint Denis, il blu cobalto si diffuse a Le Mans, Vendome e Chartes, diventando il famoso blu di Chartres, di cui abbiamo già parlato.
Il blu invade anche le miniature, dove prima predominavano il rosso e l’oro.
La predominanza del blu ebbe una piccola battuta d’arresto con la riforma protestante e la sua tavolozza “moralizzatrice”, che prediligeva i toni bruni contrapposti al bianco, ma ormai il blu si era affermato e l’utilizzo dell’Indaco proveniente dall’America e dalle Antille arricchì le sfumature a disposizione dei tintori (e l’indaco, come dicevamo in un altro articolo, non è il solo colore che l’America ci ha regalato).
L’invasione dell’Indaco fu un colpo duro da digerire per le zone che avevano basato la loro economia sulla coltivazione di Guado, che ha un potere colorante inferiore: si arricchirono gli importatori e si impoverirono i coltivatori.
La situazione rimase in mano all’indaco, finché nel 1720 J.Diesbach, un farmacista di Berlino, nel tentativo di ottenere un rosso ancora più acceso dalla cocciniglia, si imbatté accidentalmente in quello che ora chiamiamo Blu di Prussia. Da una contaminazione non voluta, una partita di colore divenne rosa, poi violacea e infine, concentrandola, virò ad un deciso blu scuro. Inavvertitamente, era stato creato il primo colore sintetico dell’età moderna.
➝ Blu YInMn: scopri come, dopo 200 anni, di nuovo per caso, viene scoperto un altro pigmento blu
Picasso, Madre con bambino, 1902
Periodo blu
Una combinazione di tecniche radiografiche ha permesso di chiarire la composizione di alcuni dei colori che Picasso utilizzava, e ora sappiamo con certezza che il blu di prussia era fra questi.
PANTONE ha decretato il classic blue come colore dell’anno, con questa motivazione:
Infondendo calma, fiducia e un senso di connessione, questa intramontabile tonalità di blu mette in evidenza il nostro desiderio di una base stabile e affidabile da cui partire mentre ci apprestiamo a varcare la soglia di una nuova era.
Che vi devo dire, speriamo che la nuova era arrivi presto e, nel frattempo, godetevi questa bellissima Palette “Ponder”, fra quelle studiate da PANTONE per integrare al meglio il Classic Blue.
La famosa opera di Hokusai è stata tra le prime stampe in Giappone, importato dalla Cina e dai Paesi Bassi (gli unici paesi con cui il Giappone commerciava negli anni 1830). Prima che il blu di Prussia arrivasse in Giappone, i tipografi usavano i coloranti blu indaco e blu dayflower, che sono molto meno vivaci. Il dramma della gigantesca onda in procinto di inghiottire le tre piccole imbarcazioni insieme al nuovo colore blu ha reso la stampa incredibilmente popolare in Giappone.
Continuate a leggere l’articolo del British Musum sull’argomento a questo link.
La pax mongolica, a partire dalla metà del XIII sec, favorì enormemente i contatti tra Oriente e Occidente. Molti viaggiatori europei, essenzialmente missionari e mercanti, si recarono in Cina, tornando con oggetti preziosi e racconti – tra cui Marco Polo con il suo Milione. Le nuove tratte favorino anche l’afflusso dle merci persiane verso la Cina. Risalgono infatti a questi periodo le origini della porcellana cinese decorata con il blu cobalto proveniente dalla Persia.
Questo breve articolo del V&A Museum vi fornisce un’interessante panoramica sulla sua diffusione in Europa a partire dal XVIII sec.
La ricerca di Yves Klein e i suoi Monocromi hanno dato vita ad uno speciale blu oltremare, che lui realizzava impastando il pigmento con resine che conferivano al colore un intensità straordinaria.
“Sono giunto a dipingere il monocromo […] perché sempre di più davanti a un quadro, non importa se figurativo o non figurativo, provavo la sensazione che le linee e tutte le loro conseguenze, contorno, forme, prospettiva, componevano con molta precisione le sbarre della finestra di una prigione.”
Eccovi una lettura interessante sulla poetica di Klein.
Sebbene non abbiano un significato univoco, i colori sono in grado di suggerire emozioni e, in alcuni casi, possono farsi carico di una parte della narrazione, come un vero e proprio sottotesto. In un romanzo, se il narratore si prende la briga di specificare il colore di un dettaglio, ad esempio un vestito, non sceglierà mai un colore a caso: vuole comunicarci qualcosa.
Il nuovo blu YInMn, scoperto nel 2014, non è ancora disponibile sul mercato, ma un'edizione limitata di acrilici Schmincke mi ha permesso di vederlo dal vivo e di provarlo. E quindi, com'è questo blu? Ecco la mia recensione artistica e la mia prima opera con il prezioso pigmento.
Come per il blu o per il rosso, esistono diverse tonalità di grigio che hanno avuto più o meno fortuna fra gli artisti. Vi presento il Grigio di Payne, una tonalità che sicuramente conoscete, anche se probabilmente molti di voi non le avevano mai dato un nome, ma che sicuramente non è passata inosservata ai più attenti osservatori della natura.
Per #artistantecolore oggi vi parlo di vetrate gotiche, blu misteriosi e diatribe medievali sull’essenza del colore, che riguardavano sempre Dio, ma finivano per influenzare la moda. Ci troviamo in Francia, a cavallo tra XII e XIII secolo.
Nel medioevo, l’arte delle grandi opere, quelle che richiedevano investimenti ingenti, era soprattutto strumentale alla comunicazione, e tutti i messaggi che era importante comunicare erano legati alla religione cristiana. Dalla scelta dei personaggi da raffigurare, alla loro posizione nella scena, fino ai colori, tutto era codificato per trasmettere correttamente il dogma. Ma i dogmi, si sa, non sono immutabili, né sono nati tali: alcuni, inizialmente, erano addirittura eresie.
Le scuole teologiche si scontravano praticamente su qualsiasi argomento e di queste diatribe troviamo traccia documentale nell’arte. Il dibattito, ovviamente, non trascurò i colori. L’esplosione cromatica che era stata il paganesimo, e che viene in parte conservata nei mosaici bizantini, per un certo periodo, quello dell’espansione del monachesimo, venne quasi del tutto ripudiata. Non si trattava solo di una pauperistica tendenza alla sobrietà, ma di una delicata questione teologica: il colore era da considerarsi luce, quindi emanazione divina, o materia, quindi qualcosa di cui liberarsi per avvicinarsi a Dio?
Cluniacensi e Cistercensi si scontrarono su questo punto per anni, i primi più propensi a considerare il colore come “visibilità dell’ineffabile” (che è la definizione che Sant’Agostino dà della luce), i secondi come dominio del demonio.
Ed è così che arriviamo al trionfo delle vetrate gotiche francesi, il cui splendore rivoluzionò non solo il modo di concepire lo spazio e la luce nelle chiese, ma anche il sentimento comune per i colori.
Ad esempio, dobbiamo al blu cobalto di Saint-Denis e, soprattutto, a quello di Chartre l’introduzione delle tonalità blu nel vestiario: Re Luigi IX di Francia, conosciuto come Saint Louis (1214 – 1270), divenne il primo re di Francia ad indossare regolarmente abiti di color blu, copiato poi dai nobili.
Il Blu di Chartres fu un successo anche tecnologico, ma putroppo non ci è dato di sapere con esattezza come sia stato possibile: la formula fu per secoli protetta con la vita dagli artigiani, come un preziosissimo segreto industriale.
Delle oltre 170 scene raffigurate nelle vetrate di Chartres, una buona parte sono dedicate alla Vergine, che qui viene definitivamente consacrata al blu, senza traccia della veste rossa che tradizionalmente indossa nelle rappresentazioni medievali e rinascimentali. Notre-Dame de la Belle Verrière è la vetrata più nota, spettacolare nel suo gioco di contrasti blu-rosso che è rimasto impresso nell’inconscio di molti artisti francesi, per molti secoli avvenire.
Per ammirare nel dettaglio le vetrate di Chartres, potete navigare questa pianta e scegliere la singola porzione da guardare, predella per predella.
Per fare semplicemente due passi all’interno della cattedrale, vi consiglio questo link.
Sebbene non abbiano un significato univoco, i colori sono in grado di suggerire emozioni e, in alcuni casi, possono farsi carico di una parte della narrazione, come un vero e proprio sottotesto. In un romanzo, se il narratore si prende la briga di specificare il colore di un dettaglio, ad esempio un vestito, non sceglierà mai un colore a caso: vuole comunicarci qualcosa.
Il nuovo blu YInMn, scoperto nel 2014, non è ancora disponibile sul mercato, ma un'edizione limitata di acrilici Schmincke mi ha permesso di vederlo dal vivo e di provarlo. E quindi, com'è questo blu? Ecco la mia recensione artistica e la mia prima opera con il prezioso pigmento.
Come per il blu o per il rosso, esistono diverse tonalità di grigio che hanno avuto più o meno fortuna fra gli artisti. Vi presento il Grigio di Payne, una tonalità che sicuramente conoscete, anche se probabilmente molti di voi non le avevano mai dato un nome, ma che sicuramente non è passata inosservata ai più attenti osservatori della natura.
Il libro dell’Arte, redatto a cavallo tra il XIV e il XV secolo, è il primo trattato organicamente monografico sulla produzione artistica, concentrato soprattutto sulle tecniche pittoriche, ma con cenni anche ad altre arti decorative. Fu anche il primo ad essere redatto in volgare, da Cennino Cennini, pittore fiorentino trapiantato a Padova.
Nato a Colle Val d’Elsa nella seconda metà del 1300, Cennini fu allievo di Agnolo Gaddi, figlio di Taddeo Gaddi, che a sua volta era stato allievo di Giotto. Di questo illustre passaggio di consegne ci dà lui stesso notizia nel Libro dell’Arte:
[…] tieni questo modo, di ciò che ti dimosterrò del colorire; però che Giotto, il gran maestro, tenea così. Lui ebbe per suo discepolo Taddeo Gaddi fiorentino anni ventiquattro; ed era suo figlioccio; Taddeo ebbe Agnolo suo figliuolo; Agnolo ebbe me anni dodici: onde mi mise in questo modo del colorire; el quale Agnolo colorì molto più vago e fresco che non fe’ Taddeo suo padre.
Per tutta l’opera, Giotto veste i panni di una Beatrice in Purgatorio, indicato come guida e umilmente chiamato a garantire sui metodi esposti. Per Cennini, Giotto è l’artista per eccellenza e a lui va il merito di aver abbandonato la maniera bizantina e di aver reso moderna e “latina” la pittura.
Il quale Giotto rimutò l’arte del dipignere di greco in latino, e ridusse al moderno; ed ebbe l’arte più compiuta che avessi mai più nessuno.
Il trattato fu scritto di sicuro nel periodo padovano, anzi, probabilmente Cennini viveva a Padova già da qualche tempo, visto l’uso frequente di termini veneti, e dalla presenza, fra gli altri santi invocati all’inizio dell’opera, di s. Antonio da Padova. Cennini infila in fondo al libro anche un capitoletto sui costumi delle donne fiorentine, che si dipingono il viso per farsi belle, contrariamente a quelle “pavane”, che l’autore elogia, non solo perché evidentemente più morigerate, ma anche per l’effetto che, a suo dire, la cosmetica dell’epoca aveva sulla pelle delle donne, facendole invecchiare e imbruttire anzitempo. Mi sono chiesta come mai sentisse il bisogno di dedicare un capitoletto all’argomento: sarà forse perché aveva sposato una padovana di buona e facoltosa famiglia?
Ma torniamo all’intento principale del trattato, che Cennini dichiara in un elenco concitato:
El fondamento dell’arte, e di tutti questi lavorii di mano principio, è il disegno e ’l colorire. Queste due parti vogliono questo, cioè: sapere tritare, o ver macinare, incollare, impannare, ingessare, e radere i gessi, e pulirli, rilevare di gesso, mettere di bolo, mettere d’oro, brunire, temperare, campeggiare, spolverare, grattare, granare, o vero camusciare, ritagliare, colorire, adornare, e invernicare in tavola o vero in cona. Lavorare in muro, bisogna bagnare, smaltare, fregiare, pulire, disegnare, colorire in fresco, trarre a fine in secco, temperare, adornare, finire in muro. E questa si è la regola dei gradi predetti, sopra i quali, io con quel poco sapere ch’io ho imparato, dichiarerò di parte in parte.
Non ha dato anche a voi l’impressione di voler rimarcare quanto sia complesso il suo mestiere, mettendo in guardia gli artisti improvvisati, che potrebbero sottovalutare lo studio e il lavoro necessari a diventar pittori? Cennini insiste sul punto, raccomandando ai pittori uno stile di vita disciplinato e morigerato:
La tua vita vuole essere sempre ordinata siccome avessi a studiare in teologia, o filosofia, o altre scienze.
Capitoli 1-4 Introduzione e Abstract, come diremmo oggi.
Capitoli 5-34 Disegno.
Capitoli 35-62 Colori: come si ottengono e come si utilizzano.
Capitoli 63-66 Arnesi: come costruirsi i pennelli.
Capitoli 67-88 Tecnica dell’Affresco.
Capitoli 89-94 Pittura ad olio.
Capitoli 95-102 Applicazione dei metalli: oro, argento, stagno.
Capitoli 103-149 Pittura a tempera su tavola.
Capitoli 150-189 Pittura su supporti particolari, come stoffa, vetro e sculture e cenni sul conio.
La parte dedicata alle ricette e ai metodi di utilizzo dei colori è molto corposa, occupando ben 28 capitoli. Si tratta di un elenco molto prezioso, che fornisce un’idea dei materiali in uso all’epoca.
Cennini identifica 7 colori che definisce “naturali”, cioè non prodotti “per artifizio”:
Sappi che sono sette colori naturali; cioè quattro propri di lor natura terrigna, siccome negro, rosso, giallo e verde: tre sono i colori naturali, ma voglionsi aiutare artifizialmente, come bianco, azzurro oltremarino, o della Magna, e giallorino.
Prima di parlare delle ricette per il colore nero, Cennini ci spiega che per estrarre il colore ci serve una buona pietra: il marmo non va bene, è troppo tenero, e lui consiglia di fabbricarsi una ciotola di Porfirio, meglio se bello lucido, da tenere sempre pulita e protetta dalla polvere.
Per il nero, il trattato indica diversi vegetali che, carbonizzati, possono dare un nero stabile e “magro”, quindi di buona qualità, tra cui i tralci di vite e i semi delle pesche e le mandorle. L’altro procedimento per il nero, è quello della lampada ad olio: si posiziona una teglia sopra la lampada che brucia l’olio di semi di lino e poi si raccoglie il residuo fumoso che si si condensa.
Alcuni capitoli sono dedicati ai tipi di Rosso, tra cui il Rosso Cinabro, un minerale contenente zolfo e mercurio, che Cennini consiglia di acquistare anziché fornire la ricetta per ricavarlo. In compenso, spiega dettagliatamente come acquistarne di buona qualità, senza lasciarsi ingannare da quelli che, vendendolo tritato, lo tagliano con materiali di scarto, come la polvere di mattoni. Cennini ci avvisa anche che il Cinabro non è adatto all’affresco e che non gli piace stare all’aria, poiché “vien nero” e ne consiglia l’uso su tavola. Per l’affresco a muro, invece, consiglia il Rosso Amatisto, identificato con il diaspro rosso. Fa poi menzione delle lacche e ne cita di due tipi, uno scadente e “grasso” e l’altro di ottima qualità. Si riferisce probabilmente al Rosso Carminio ottenuto da insetti simili alla cocciniglia e quella di qualità è probabilmente la gommalacca, proveniente dall’oriente e dall’India, di qualità migliore di quella mediterranea, e adatta sia alla tavola che all’affesco. Cita anche il rosso Minio e il Sangue di Drago, che però sconsiglia ai pittori, essendo più che altro adatti alla miniatura.
Dettagliata è anche la lista dei tipi di Giallo: ocra (quella più indicata per gli affreschi), giallorino, orpimento, arzica, risalgallo, zafferano. Per alcuni di questi, Cennini consiglia di acquistare il pigmento già fatto e, come per altri colori, preferisce insegnare a scegliere quello di buona qualità piuttosto che parlare della procedura di estrazione. Anche per questo motivo, non è facile identificarli con esattezza. Ad esempio, non è chiara la natura del giallorino, anche se probabilmente Cennini si riferisce ad un derivato del piombo. Conosciamo, invece, l’orpimento, un cristallo che contiene solfuro di arsenico, già noto nell’antichità: lo utilizzavano già Egizi e Assiri, sia come colore che come farmaco e veleno. Di questo giallo, tossico, ma dal colore intenso, Cennini parlerà anche a proposito dei verdi, mischiato con l’azzurro Magna o oltremare.
Per il verde, Cennini identifica una sola fonte “naturale”, il Verdeterra, che altro non è una fumatura di una terra simile all’ocra; e una fonte di “archimia”, ossia il Verde rame. Gli altri verdi, sono derivati dalla mescolanza di giallo e blu, e ce ne dà quattro diverse ricette: il verde azzurro, che è un derivato dell’azzurro magna; il verde che si ottiene mischiando giallo orpimento e indaco; il verde che si ottiene mischiando l’azzurro Magna e giallorino; il verde che deriva dalla miscela di azzurro oltremarino con il giallo orpimento; infine, il verde biacca, che sarebbe la mistura di ocra verde con il bianco derivato dall’ossido di piombo, detto biacca.
Prima dell’introduzione dello zinco, esistevano solo due tipi di bianco: quello di calce, detto Bianco San Giovanni, e la Biacca, che era un derivato dell’ossido di Piombo, molto utilizzato e la cui procedura di estrazione era fortemente tossica. Della Biacca, Cennini ci fa notare che è buono per la tavola, ma meno per l’affresco, perché con il tempo diventa annerisce.
I pigmenti azzurri erano preziosi e ricercati. Per la tintura dei tessuti c’erano diverse opzioni (l’indaco e l’isatis, per esempio), ma per la pittura le fonti principali si riducevano a due: il Magna, ossia l’azzurrite, e l’oltremare, ricavato dal lapislazzuli.
Alla stregua dell’oro, il blu oltremare era spesso fornito dal facoltoso committente. Usatissimo in Italia fra il 1300 e il 1500, veniva fabbricato a partire dai lapislazzuli provenienti dall’oriente, probabilmente dall’attuale Afghanistan, che transitavano in Europa attraverso Venezia. Cennini ne parla come di colore “bello, perfettissimo”, e si raccomanda di imparare ad usarlo bene:
E attendici bene, però che ne porterai grande onore e utile. E di quel colore, con l’oro insieme (il quale fiorisce tutti i lavori di nostr’arte), o vuoi in muro, o vuoi in tavola, ogni cosa risprende.
Il procedimento per ottenere il colore è molto complesso e studiato in modo da non sprecarne neppure il più piccolo granello di polvere. Il metodo sembra quello messo a punto sin dal XIII secolo, che consisteva nell’inglobare la polvere di lapislazzuli in una massa pastosa formata da cera d’api, resine e oli. Questo composto veniva poi messo nella liscivia, ossia idrossido di potassio, la quale consentiva la migrazione del pigmento blu alla soluzione, lasciando imprigionate le impurezze nella pasta oleosa. Si ripeteva il processo più volte, al fine di ottenere un colore sempre più saturo.
Sebbene non abbiano un significato univoco, i colori sono in grado di suggerire emozioni e, in alcuni casi, possono farsi carico di una parte della narrazione, come un vero e proprio sottotesto. In un romanzo, se il narratore si prende la briga di specificare il colore di un dettaglio, ad esempio un vestito, non sceglierà mai un colore a caso: vuole comunicarci qualcosa.
Il nuovo blu YInMn, scoperto nel 2014, non è ancora disponibile sul mercato, ma un'edizione limitata di acrilici Schmincke mi ha permesso di vederlo dal vivo e di provarlo. E quindi, com'è questo blu? Ecco la mia recensione artistica e la mia prima opera con il prezioso pigmento.
Come per il blu o per il rosso, esistono diverse tonalità di grigio che hanno avuto più o meno fortuna fra gli artisti. Vi presento il Grigio di Payne, una tonalità che sicuramente conoscete, anche se probabilmente molti di voi non le avevano mai dato un nome, ma che sicuramente non è passata inosservata ai più attenti osservatori della natura.
Avete presente quegli accessori talmente specializzati, che lì per lì sembrano inutili, ma alla fine non si riesce più a farne a meno? Tipo l’attrezzo per fare le zucchine a riccioli, o quello per tagliare la mela in otto spicchi perfetti. Ecco, Adobe Color, per me, è uno di quegli attrezzi.
Mi spiace solo che abbiamo cambiato nome: quando l’hanno proposto, si chiamava Kuler e io continuo, imperterrita, a chiamarlo così.
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Adobe Color è molto utile anche a tutti quelli che si occupano di comunicazione: una palette colore efficace veicola il messaggio con la stessa efficacia di uno slogan.
Servendosi della ruota colore e aiutandosi con le opzioni preimpostate, si parte da un colore principale per creare gli abbinamenti. Le opzioni sono molte, dalle più classiche basate sugli opposti complementari, alle triadi variamente distanziate. Di ogni colore, si impostano facilmente tonalità, saturazione e luminosità.
Una volta raggiunto l’effetto desiderato, si può salvare la palette nella propria libreria, in modo da poterla ritrovare per future ispirazioni.
Adobe Color mette a disposizione una serie di funzioni accessorie molto interessanti e divertenti.
